Muralismo

    O muralismo, pintura mural ou pintura parietal é a pintura feita diretamente sobre a superfície de uma parede, como o afresco*, ou em um painel que é depois colocado na parede para exposição permanente. Ao contrário da arte convencional em quadros, as pinturas de murais podem ser totalmente integradas à arquitetura criando, vez ou outra, uma perspectiva que engana o observador.
* O afresco é a aplicação dos pigmentos de tinta diretamente na argamassa ainda úmida para depois compor a arte na parede.
    O termo muralismo ou pintura mural foi cunhado no México, junto a um movimento revolucionário do século XX, mas essa arte já era empregada na civilização clássica.
   Atualmente existem várias empresas americanas e européias que produzem exclusivamente murais e empregam diversos artistas.
    Os murais podem ser feitos com diversas técnicas e estilos, entre eles a pintura com rolo e pincel, o aerógrafo e o grafite*, que no Brasil é considerado um dos melhores do mundo.
*Grafite é a arte feita, normalmente com spray de tinta, em muros e paredes do cenário urbano.
Veja umas amostras dos murais mais incríveis que a internet pode proporcionar.



Fontes:



Criatividade e Identidade

    
A criatividade ou identidade artística é a forma com que um indivíduo formula, através das próprias visões e experiências, uma concepção ou análise utilizando, às vezes elementos interiores (do artista) e às vezes os agentes externos ou ainda os dois ao mesmo tempo.
  
  No desenho ou na arte a personalidade (identidade) é o elemento fundamental para diferenciar um grande artista dos outros enquanto a criatividade age como um adicional. Existem muitos artistas com criativos, mas se não são detentores de uma personalidade são logo ultrapassados, pois a criação pode ser copiada em tempo real enquanto a identidade leva-se muito tempo para adquirir e, mesmo assim, não pode ser copiada por inteiro. 
"criatividade é o processo que resulta em um produto novo, que é aceito como útil, e/ou satisfatório por um número significativo de pessoas em algum ponto no tempo" (Stein, 1974)
    Não pretendo analisar criatividade e identidade no que tange a psique humana, nem o processo químico-físico no ser humano, mas sim os processos simples e tangíveis da relação arte, criatividade e ser humano.


Identidade/ Personalidade

    Como o próprio estudo da psicologia diz, a personalidade do indivíduo é iniciada desde a formação física, ainda no útero e decorre por quase toda vida. Na arte não é diferente, qualquer pessoa que inicia seus estudos neste ramo vai ter contato com vários trabalhos e obras artísticas e com o tempo e a aquisição de uma análise crítica própria, umas obras agradarão mais que outras.  Á partir deste momento, a personalidade já estará tendo influência sobre a forma de como o indivíduo digere as características visuais. Conforme os estudos progridem, um grupo de artistas selecionado pelo indivíduo exercerá influência sobre sua obra, conscientemente ou não, gerando a identidade. 

Mas e daí, o que isso tem a ver comigo? Tá parecendo matéria de sociologia!

    O artista ou desenhista que tiver consciência destes acontecimentos poderá direcionar o caminho em que poderá trilhar, envergando para o lado que mais for adequado ao seu desenvolvimento artístico. Por exemplo, alguém que deseja que seus trabalhos tenham características mais soltas e agressivas poderá buscar esta influência no “grafite” de rua ou mesmo na música.

Idéia e Criatividade

    Já ouviram falar: “a minha fonte de criatividade secou”? Há quem acredite que a idéia é um estralo que acontece na cabaça, hora ou outra, e é bom pegar antes que vá embora. Outros acreditam que as idéias são acontecem na cabeça de pessoas favorecidas intelectualmente. Poesias a parte, a criatividade não acontece do nada. A idéia pode aparecer a qualquer momento, mas ela também não surge do além, ela é formada de fragmentos de pensamentos ou no desenvolvimento de um estudo, ou ainda na resolução de um problema. 

Mas então é possível cultivar a criatividade?

    Não só é possível como muitos artistas ou outros profissionais já a cultivam, colhem seus frutos e os saboreiam. Já notaram que as pessoas mais criativas são aquelas que estão em constante esforço seja trabalhando ou estudando? É importante salientar que a pressão exercida sobre a produtividade é diferente para cada um, uns produzem melhor com pressão e outros não. Mas o ponto é que estes profissionais estão desenvolvendo e absorvendo constantemente. 

Então algumas dicas para regar sua horta criativa:

- Não fique só num tema ou área de atuação! Procure inspiração ou mesmo conhecimento em todos os campos do conhecimento. Não há nada a perder, no máximo você vai ficar mais inteligente.
- Procure consumir o novo, o diferente, o caminho não comum. Não dispense o clássico, mas tenha em pauta sempre o diferente.
- TRABALHE A IDÉIA!!! Existe uma teoria que diz que, quando alguém tem uma idéia, três outras estão tendo a mesma idéia ao mesmo tempo em algum lugar do mundo. Se esta teoria é verdade ou não quem sou eu pra discordar, mas a questão é que se trabalharmos a idéia inicial, lapidando aqui ou ali, é provável que seja única.
- Orgulho é requisito obrigatório para o artista. Não to dizendo para o artista ser um boçal e estúpido como é o caso de muitos músico e artistas, mas ter orgulho pelo trabalho, pela obra é ótimo, pois fortalece contra a crítica destrutiva que irão aparecer ao longo da vida.
- Olhe a vida de outro ângulo. Quando achar que já viu tudo, olhe por outro ângulo. Lembram-se do filme “Sociedade dos Poetas Mortos”? Então, aqui se encaixa perfeitamente.

Ok?

Bom, espero este post ajude alguém, ao menos dê outras perspectivas e que meu texto não tenha sido parecido com um livro de auto-ajuda.

Papéis [Materiais Para Desenho]

    Para o bom desempenho do trabalho é fundamental um papel adequado. Existem vários tamanhos, gramaturas, marcas e tipos de papéis sendo que cada um é indicado para certos materiais ou técnicas.


Tamanho
    A primeira coisa para saber sobre os papéis é o tamanho. Para efeito de desenho e artes em geral é suficiente conhecer o tamanho dos papeis que são: A4, A3, A2, A1 e A0. Os seus respectivos tamanhos são:


A4 – Tamanho: 21,0 x 29,7 cm.
A3 – Tamanho: 29,7 x 42,0 cm.
A2 – Tamanho: 42,0 x 59,4 cm.
A1 – Tamanho: 59,4 x 84,0 cm. 
A0 – Tamanho: 84,0 x 118,8 cm.


Obs. A maioria dos tipos de papéis só são vendidos somente no tamanho A0. É preciso, na hora da compra, pedir para cortar no tamanho desejado.


Marcas e Tipos de Papel
    Os tipos de papeis são essenciais para o resultado do desenho assim como a marca que o fabrica. Existem tipos de papeis que são fabricados por diversas empresas, mas existem alguns que só uma empresa o fabrica. Por exemplo: Só a marca Schoeller comercializa os tipos de papéis Hammer 1G/1R, Hammer 3G/3R etc. As principais características que definem o um papel são o tipo de fibra, a textura, a gramatura, o pH e a goma ou  colagem. 

Tipo de Fibra
    O papel pode ser fabricado com polpa de fibras de algodão, as quais são nobres e altamente duráveis por serem fibras longas, provenientes do fruto de árvores ou com fibras de madeira, que são fibras curtas provenientes do caule da árvore e que podem ser tratadas quimicamente para aumentar sua durabilidade.


Textura
    A textura define a característica física do papel e é perceptível ao toque. Existem diversas texturas no papel que dão maior impacto ao trabalho dependendo da técnica.

Goma ou Colagem 
    O tratamento de colagem do papel consiste em adicionar ao papel algum tipo de resina ou cera repelente a líquidos. Um papel sem colagem, por exemplo é um papel absorvente (papel toalha). 
    A colagem pode ser na massa, ou em superfície. Um papel colado na massa evita que a água seja absorvida rapidamente, característica fundamental para a vivacidade das obras de arte, pois um papel artístico colado na massa absorve lentamente, levando o tempo suficiente para que o pigmento que foi dissolvido em base aquosa seque na superfície do papel, mantendo a mesma cor do desenho do começo ao fim do trabalho.


A Gramatura
    Não menos importante é a gramatura do papel. Gramatura ou gramagem é a medida da grossura e densidade do papel, expressa em gramas por metro quadrado (g/m²). Quanto maior for a gramatura, mais “grosso” será o papel. A gramatura varia de 75, 90, 120, 180, 210, 240, 320, (g/m²) etc. 


pH
    O pH varia de 0 a 14, sendo pH=7: neutro. A maioria dos papéis são ácidos, o que acelera seu amarelecimento e decomposição. À medida que o ácido do ambiente interfere no papel, o pH do mesmo começa a cair para menos de 7, tornando-se ácido e acelerando seu amarelecimento. 
Para papéis artísticos, o pH neutro é fundamental para prolongar a durabilidade da obra de arte.


Co-relação Papéis Vs Técnica
Os mais comuns são:


Sulfite (75 g/m²) - São indicados para lápis comum HB ou 2B, rascunhos.

Sulfite (90 e 120 g/m²) - Iguais ao anterior, mas suportam lápis de grafite mais macios como 4B e 6B. 

Opaline ou Westerprint (90 a 120 g/m²) - Ótimo para lápis (grafite de todas as espessuras), canetas de base líquida e tintas de secagem rápida.

Canson (diversas cores e gramaturas) – Para pintura em geral. Suporta bem tintas com base de água, com secagem rápida a média. São indicados para aguadas, Ecoline, Aquarela, Acrílico, etc. Bom também para lápis de cor, pastel seco e crayon.

Papel manteiga – Indicado para arquitetura entre outros. É um papel semi-translúcido de superfície áspera que pode ser utilizado para copiar um desenho ou esboço e transpassá-lo a um papel melhor. Não utilize caneta nanquim neste papel, pois por ser áspero, gasta a ponta da caneta.

Papel vegetal - Também utilizado em arquitetura e cartografia. É um papel, também semi-translúcido, que serve para se fazer arte-final sobre o rascunho, com a caneta nanquim, por exemplo. É possível fazer o desenho em um papel qualquer e terminá-lo no papel vegetal, o que elimina a mesa de luz. 

Schoeller – Esta marca de papel alemã faz suas próprias especificações para as diferenças de cada tipo de papel que comercializa. A ser:
Hammer 1G / 1R (150g/m2)*
Hammer 3G / 3R (200g/m2)*
Hammer 4G / 4R (250g/m2)*
Hammer 6G / 6R (300g/m2)*
Hammer 4G Dick / 4R Dick (1.300g/m2)*
* G = papel liso e R = Áspero

Os papéis Schoeller são muito caros aqui no Brasil, mas são sem dúvida nenhuma os melhores existentes. Pessoalmente, aconselho a todos os desenhistas a utilizar o papel Schoeller em todos os trabalhos. São ideais para quase todas as técnica e materiais, incluindo aerografia e tinta acrílica.


Fontes:
http://www.emporiomichelangelo.com.br/schoeller.htm
http://www.canson.com.br/interno.html
http://pt.wikipedia.org/wiki/Papel

Para saber da História do Papel visitem:
http://www.portalsaofrancisco.com.br/alfa/historia-do-papel/historia-do-papel-2.php

Revista Ilustrar (Sugestão)

          A Revista Ilustrar é uma revista de ilustração e designer no formato pdf que pode ser baixada gratuitamente pelo site. É um projeto brasileiro feito para preencher a falta de material nacional nesta área. Existe muito material bom nela apesar de não ser muito "artístico" e sim mais "publicitário" o que não tira o mérito da revista. Aconselho:



Site: http://www.revistailustrar.com/

Dicas de Desenho para Iniciantes


     Aprender a desenhar e obter qualidade nos desenhos é uma tarefa como qualquer outra profissão, portanto é preciso ter em mente várias "regras" para cada técnica ou estilo. Cada curso ou escola ensinará seus métodos com pouca  ênfase em citar o que é "regra" e o que não é, se ela o fizer terá pouca confiança. Portanto vou citar seis dicas (e não regras) que acredito serem importantes no desenvolvimento do trabalho artístico.

1 – Saber olhar:

O mais importante para um desenhista é saber olhar, saber visualizar o que é e o que compõe a imagem. Parece óbvio, mas saber analisar o que se vê e passar para o papel é o que diferencia os grandes desenhistas. Veja o ambiente e diferencie o que está em primeiro, segundo ou em terceiro plano, reduza os objetos que você vê em formas geométricas para o esboço, analise a textura que os objetos possuem e também luz e sombra.
Lembre-se: O que se vê, no momento em que se vê e do ponto que se está nenhuma outra pessoa verá novamente.

2 – Treinar, treinar e treinar:

Só o treino leva a perfeição! Quanto mais você treinar, mais perfeito será seu esboço, seu traço, sua sombra e sua composição.

3 – Conhecer os materiais:

O material utilizado em qualquer ofício é proporcional ao resultado. Um artista pode ter ótimos trabalhos utilizando apenas uma caneta “bic” em papel comum, mas será extremamente melhor se usar uma caneta nanquim em um papel adequado, por exemplo. É lógico que alguns materiais só existem importados e são muito caros, mas se tiver condições de comprar não hesite.

4 – Reunir Material de Apoio:

                Qualquer profissional que se preze tem um vasto material de apoio. Para o desenhista este material podem ser livros didáticos, livros de anatomia, revistas e fotos. Fazer um catálogo de fotos ajuda bastante. (Veja Referências para Desenhos)

5 – Pensar antes de fazer:

                Desenhar ou pintar são artes empolgantes e prazerosas e a ansiedade de começar um trabalho ou mesmo finalizá-lo pode vir a comprometer o resultado. Antes de iniciar qualquer trabalho é preciso:

a)  Criar a idéia (imaginar ou esboçar a obra).
b)  Compor a imagem – Equilibrar todos os elementos do trabalho.
c)  Saber qual é técnica e o material a ser utilizado.
d)  Prever quais serão os passos que percorrerá do início ao final da obra.

Seguindo esta simples dica o artista poderá evitar futuros aborrecimentos além de poupar tempo e material.

Obs.: Assim como o processo de criação de HQs, onde o desenho é feito seguindo as meticulosas instruções de um roteiro, o desenhista deve agir com sua obra. É muito comum ver desenhos onde o artista faz um personagem e depois coloca um pano de fundo qualquer para preencher o espaço vazio. Evite este tipo de atitude, pense no desenho completo antes de começar, mesmo que o “fundo” seja esfumaçado.

6 – Auto - análise:

          Qualquer artista, iniciante ou não, só vai evoluir com um olhar clínico sobre sua obra. Ver os “defeitos” e “falhas” no desenho realizado e procurar não repeti-los é o que fará da próxima obra melhor ainda. 





Bernie Wrightson

 Em minhas buscas pela internet atrás de arte e artistas, mais precisamente atrás de desenhos em bico-de-pena, encontrei uns desenhos de Berni Wrihtson, mais precisamente do livro Frankstein. Já conhecia a arte de Bernie, pois sou portador de duas histórias em quadrinhos ilustradas por ele, uma do Homem Aranha e outra do Hulk e do Coisa. Wrightson já tinha me fisgado como admirador devido ao seu traço feito em bico-de-pena “Old School” mas, foi somente quando vi os desenhos do livro Frankstein que conheci o verdadeiro poder de fogo do indivíduo. As ilustrações do livro são meticulosos e detalhistas dignas de quadros de galeria. Portanto resolvi fazer uma apresentação deste artista e sua obra.

Bernie Wrightson

Bernie Wrightson é um desenhista americano conhecido por suas ilustrações de terror e ficção científica publicadas em histórias em quadrinhos.
Nasceu em Baltimore, Maryland em 27 de outubro de 1948. Começou a trabalhar em 1966 para o Baltimore Sun Jornal como ilustrador. No ano seguinte, após um encontro com o artista Frank Frazetta em uma convenção de quadrinhos em Nova York, ele se inspirou para produzir suas próprias histórias. Em 1968, ele mostrou cópias de sua arte seqüencial para a DC Comics para o editor Dick Giordano que ofereceu um trabalho de freelance.
Seu primeiro trabalho profissional de quadrinhos apareceu em House of Mystery Nº 179, em 1968. Ele trabalhou em uma variedade de mistério e títulos antológicos da DC e sua principal rival, a Marvel Comics.
Em 1971, com o escritor Len Wein, Wrightson co-criou o Muck criatura do Monstro do Pântano  para DC. Ele também co-criou Destino, mais tarde se tornou famoso na obra de Neil Gaiman. Em 1974 ele havia deixado de trabalhar na DC Warren Publishing, Fez então revistas de horror em preto-e-branco, produziu uma série de trabalhos originais, bem como as adaptações das histórias de HP Lovecraft e Edgar Allan Poe.
Em 1975, Wrightson se juntou com outros artistas entre eles Jeff Jones, Michael Kaluta, e Barry Windsor-Smith e formou o "The Studio", um “loft” compartilhado em Manhattan, onde o grupo iria fazer produtos criativos fora das restrições do mercantilismo dos quadrinhos. Embora ele continuasse a produzir a arte seqüencial, Wrightson começou a produzir ilustrações para inúmeros cartazes, gravuras, calendários, e até mesmo livros para colorir.
Wrightson fez durante sete anos cerca de 50 desenhos com bico-de-pena, ilustrações detalhadas para acompanhar uma edição do romance de Mary Shelley's Frankenstein, que o artista considera entre seus trabalhos o mais pessoal. Wrightson desenhou o cartaz do filme Creepshow de Stephen King, assim como ilustrou a adaptação em quadrinhos do filme. Isso levou a várias outras colaborações com Stephen King, incluindo ilustrações para a novela "Ciclo do Lobisomem", a edição restaurada do épico apocalíptico de horror “The Stand”, e também arte para as edições de capa dura de From a Buick 8 e Dark TowerV.
Wrightson contribuiu com as capas dos álbuns de várias bandas, incluindo Meat Loaf. O "Captain Sternn" do filme animado Heavy Metal é baseado no personagem criado por Wrightson para sua premiada série em quadrinhos de mesmo nome. Ele trabalhou em Homem-Aranha, Batman e The Punisher, e  também pintou capas para a DC Comics entre muitos outros trabalhos. Os trabalhos recentes incluem City of Others e a próxima Dead She Said, ambos co-criados com o popular autor Steve Niles.
Suas ilustrações do gênero de horror atraíram milhares de fãs e o levou a trabalhar no cinema. Como um artista conceitual, Bernie já trabalhou em muitos filmes, principalmente no gênero horror. Bem conhecidos filmes incluem Ghostbusters, The Faculty, Galaxy Quest, Spider-Man, Land of the Dead de George Romero, e o mais recente filme de Stephen KingThe Mist.
Hoje, Bernie reside em Los Angeles com sua esposa Liz, onde trabalha em projetos de filmes e entre outros projetos, incluindo histórias em quadrinhos, desenhos de personagens para animação e desenhos assustadores apenas para se divertir!









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